What is Traditional 2D Animation?
English-------------++++---Traditional animation (or classical animation, cel animation or hand-drawn animation) is an animation technique where each frame is drawn by hand. The technique was the dominant form of animation in cinema until the advent of computer animation.
Process
Animation productions begin by deciding on a story. The oral or literary source material must then be converted into an animation film script, from which the storyboard is derived. The storyboard has an appearance somewhat similar to a comic book, and it shows the sequence of shots as consecutive sketches that also indicate transitions, camera angles, and framing. The images allow the animation team to plan the flow of the plot and the composition of the imagery. The storyboard artists will have regular meetings with the director and may have to redraw or "re-board" a sequence many times before it meets final approval.
Voice recording
Before true animation begins, a preliminary soundtrack or "scratch track" is recorded, so that the animation may be more precisely synchronized to the soundtrack. Given the slow, methodical manner in which traditional animation is produced, it is almost always easier to synchronize animation to a pre-existing soundtrack than it is to synchronize a soundtrack to pre-existing animation. A completed cartoon soundtrack will feature music, sound effects, and dialogue performed by voice actors. However, the scratch track used during animation typically contains only the voices, any vocal songs to which characters must sing along, and temporary musical score tracks; the final score and sound effects are added during hi.
In the case of Japanese anime, as well as most pre-1930 sound animated cartoons, the sound was post-synched; that is, the soundtrack was recorded after the film elements were finished by watching the film and performing the dialogue, music, and sound effects required. Some studios, most notably Fleischer Studios, continued to post-synch their cartoons through most of the 1930s, which allowed for the presence of the "muttered ad-libs" present in many Popeye the Sailor and Betty Boop cartoons.
Animatic
Often, an animatic or story reel is made after the soundtrack is created, but before full animation begins. An animatic typically consists of pictures of the storyboard synchronized with the soundtrack. This allows the animators and directors to work out any script and timing issues that may exist with the current storyboard. The storyboard and soundtrack are amended if necessary, and a new animatic may be created and reviewed with the director until the storyboard is perfected. Editing the film at the animatic stage prevents the animation of scenes that would be edited out of the film; as traditional animation is a very expensive and time-consuming process, creating scenes that will eventually be edited out of the completed cartoon is strictly avoided.
Advertising agencies today employ the use of animatics to test their commercials before they are made into full up spots. Animatics use drawn artwork, with moving pieces (for example, an arm that reaches for a product, or a head that turns). Video storyboards are similar to animatics but do not have moving pieces. Photomatics are another option when creating test spots, but instead of using drawn artwork, there is a shoot in which hundreds of digital photographs are taken. The large number of images to choose from may make the process of creating a test commercial a bit easier, as opposed to creating an animatic, because changes to drawn art take time and money. Photomatics generally cost more than animatics, as they may require a shoot and on-camera talent. However, the emergence of affordable stock photography and image editing software permits the inexpensive creation of photomatics using stock elements and photo composites.
Design and timing
Once the animatic has been approved, it and the storyboards are sent to the design departments. Character designers prepare model sheets for all important characters and props in the film; these are used to help standardize appearance, poses, and gestures. These model sheets will show how a character or object looks from a variety of angles with a variety of poses and expressions so that all artists working on the project can deliver consistent work. Sometimes, small statues known as maquettes may be produced, so that an animator can see what a character looks like in three dimensions. At the same time, the background stylists will do similar work for the settings and locations in the project, and the art directors and color stylists will determine the art style and color schemes to be used.
While design is going on, the timing director (who in many cases will be the main director) takes the animatic and analyzes exactly what poses, drawings, and lip movements will be needed on what frames. An exposure sheet (or X-sheet for short) is created; this is a printed table that breaks down the action, dialogue, and sound frame-by-frame as a guide for the animators. If a film is based more strongly in music, a bar sheet may be prepared in addition to or instead of an X-sheet.[1] Bar sheets show the relationship between the on-screen action, the dialogue, and the actual musical notation used in the score.
Layout
Layout begins after the designs are completed and approved by the director. The layout process is the same as the blocking out of shots by a cinematographer on a live-action film. It is here that the background layout artists determine the camera angles, camera paths, lighting, and shading of the scene. Character layout artists will determine the major poses for the characters in the scene and will make a drawing to indicate each pose. For short films, character layouts are often the responsibility of the director.
The layout drawings and storyboards are then spliced, along with the audio and an animatic is formed (not to be confused with its predecessor, the leica reel). The term "animatic" was originally coined by Walt Disney Animation Studios.
Animation
Once the animatic is finally approved by the director, animation begins.
In the traditional animation process, animators will begin by drawing sequences of animation on sheets of transparent paper perforated to fit the peg bars in their desks, often using colored pencils, one picture or "frame" at a time.[2] A peg bar is an animation tool used in traditional (cel) animation to keep the drawings in place. The pins in the peg bar match the holes in the paper. It is attached to the animation desk or light table, depending on which is being used. A key animator or lead animator will draw the key drawings in a scene, using the character layouts as a guide. The key animator draws enough of the frames to get across the major points of the action; in a sequence of a character jumping across a gap, the key animator may draw a frame of the character as he is about to leap, two or more frames as the character is flying through the air and the frame for the character landing on the other side of the gap.
Timing is important for the animators drawing these frames; each frame must match exactly what is going on in the soundtrack at the moment the frame will appear, or else the discrepancy between sound and visual will be distracting to the audience. For example, in high-budget productions, extensive effort is given in making sure a speaking character's mouth matches in shape the sound that character's actor is producing as he or she speaks.
While working on a scene, a key animator will usually prepare a pencil test of the scene. A pencil test is a preliminary version of the final animated scene; the pencil drawings are quickly photographed or scanned and synced with the necessary soundtracks. This allows the animation to be reviewed and improved upon before passing the work on to his assistant animators, who will add details and some of the missing frames in the scene. The work of the assistant animators is reviewed, pencil-tested, and corrected until the lead animator is ready to meet with the director and have his scene sweatboxed, or reviewed by the director, producer, and other key creative team members. Similar to the storyboarding stage, an animator may be required to redo a scene many times before the director will approve it.
In high-budget animated productions, often each major character will have an animator or group of animators solely dedicated to drawing that character. The group will be made up of one supervising animator, a small group of key animators, and a larger group of assistant animators. For scenes where two characters interact, the key animators for both characters will decide which character is "leading" the scene, and that character will be drawn first. The second character will be animated to react to and support the actions of the "leading" character.
Once the key animation is approved, the lead animator forwards the scene on to the clean-up department, made up of the clean-up animators and the inbetweeners. The clean-up animators take the lead and assistant animators' drawings and trace them onto a new sheet of paper, taking care in including all of the details present on the original model sheets, so that it appears that one person animated the entire film. The inbetweeners will draw in whatever frames are still missing in between the other animators' drawings. This procedure is called tweening. The resulting drawings are again pencil-tested and sweatboxed until they meet approval.
At each stage during pencil animation, approved artwork is spliced into the Leica reel.[3]
This process is the same for both character animation and special effects animation, which on most high-budget productions are done in separate departments. Effects animators animate anything that moves and is not a character, including props, vehicles, machinery and phenomena such as fire, rain, and explosions. Sometimes, instead of drawings, a number of special processes are used to produce special effects in animated films; rain, for example, has been created in Disney animated films since the late 1930s by filming slow-motion footage of water in front of a black background, with the resulting film superimposed over the animation.
Pencil test
After all the drawings are cleaned up, they are then photographed on an animation camera, usually on black and white film stock.[4] Nowadays, pencil tests can be made using a video camera and computer software.
Backgrounds
While the animation is being done, the background artists will paint the sets over which the action of each animated sequence will take place. These backgrounds are generally done in gouache or acrylic paint, although some animated productions have used backgrounds done in watercolor or oil paint. Background artists follow very closely the work of the background layout artists and color stylists (which is usually compiled into a workbook for their use) so that the resulting backgrounds are harmonious in tone with the character designs.
Traditional ink-and-paint and camera
Once the clean-ups and in-between drawings for a sequence are completed, they are prepared for photography, a process known as ink-and-paint. Each drawing is then transferred from paper to a thin, clear sheet of plastic called a cel, a contraction of the material name celluloid (the original flammable cellulose nitrate was later replaced with the more stable cellulose acetate). The outline of the drawing is inked or photocopied onto the cel, and gouache, acrylicor a similar type of paint is used on the reverse sides of the cels to add colors in the appropriate shades. In many cases, characters will have more than one color palette assigned to them; the usage of each one depends upon the mood and lighting of each scene. The transparent quality of the cel allows for each character or object in a frame to be animated on different cels, as the cel of one character can be seen underneath the cel of another; and the opaque background will be seen beneath all of the cels.
When an entire sequence has been transferred to cels, the photography process begins. Each cel involved in a frame of a sequence is laid on top of each other, with the background at the bottom of the stack. A piece of glass is lowered onto the artwork in order to flatten any irregularities, and the composite image is then photographed by a special animation camera, also called rostrum camera.[5] The cels are removed, and the process repeats for the next frame until each frame in the sequence has been photographed. Each cel has registration holes, small holes along the top or bottom edge of the cel, which allow the cel to be placed on corresponding peg bars[6] before the camera to ensure that each cel aligns with the one before it; if the cels are not aligned in such a manner, the animation, when played at full speed, will appear "jittery." Sometimes, frames may need to be photographed more than once, in order to implement superimpositions and other camera effects. Pans are created by either moving the cels or backgrounds one step at a time over a succession of frames (the camera does not pan; it only zooms in and out).
As the scenes come out of final photography, they are spliced into the Leica reel, taking the place of the pencil animation. Once every sequence in the production has been photographed, the final film is sent for development and processing, while the final music and sound effects are added to the soundtrack. Again, editing in the traditional live-action sense is generally not done in animation, but if it is required it is done at this time, before the final print of the film is ready for duplication or broadcast.
Among the most common types of animation rostrum cameras was the Oxberry. Such cameras were always made of black anodized aluminum, and commonly had two pegbars, one at the top and one at the bottom of the lightbox. The Oxberry Master Series had four pegbars, two above and two below, and sometimes used a "floating pegbar" as well. The height of the column on which the camera was mounted determined the amount of zoom achievable on a piece of artwork. Such cameras were massive mechanical affairs which might weigh close to a ton and take hours to break down or set up.
In the later years of the animation rostrum camera, stepper motors controlled by computers were attached to the various axes of movement of the camera, thus saving many hours of hand cranking by human operators. Gradually, motion control techniques were adopted throughout the industry.
Digital ink and paint processes gradually made these traditional animation techniques and equipment obsolete.
Digital ink and paint
The current process, termed "digital ink and paint", is the same as traditional ink and paint until after the animation drawings are completed;[7] instead of being transferred to cels, the animators' drawings are either scanned into a computeror drawn directly onto a computer monitor (such as a Wacom Cintiq tablet), where they are colored and processed using one or more of a variety of software packages. The resulting drawings are composited in the computer over their respective backgrounds, which have also been scanned into the computer (if not digitally painted), and the computer outputs the final film by either exporting a digital video file, using a video cassette recorder, or printing to film using a high-resolution output device. Use of computers allows for easier exchange of artwork between departments, studios, and even countries and continents (in most low-budget American animated productions, the bulk of the animation is actually done by animators working in other countries, including South Korea, China, Japan, Singapore, Mexico, and India). As the cost of both inking and painting new cels for animated films and TV programs and the repeated usage of older cels for newer animated TV programs and films went up and the cost of doing the same thing digitally went down, eventually, the digital ink-and-paint process became the standard for future animated movies and TV programs. Digital ink and paint has been in use at Walt Disney Feature Animation since 1989, where it was used for the final rainbow shot in The Little Mermaid. All subsequent Disney animated features were digitally inked-and-painted (starting with The Rescuers Down Under, which was also the first major feature film to entirely use digital ink and paint), using Disney's proprietary CAPS (Computer Animation Production System) technology, developed primarily by Pixar.
While Disney was the first to switch to digital inking and painting, it took the rest of the industry longer to adapt. Many filmmakers and studios didn't want to shift to the digital ink-and-paint process because they felt that the digitally-colored animation would look too synthetic and would lose the aesthetic appeal of the non-computerized cel for their projects. Many animated television series were still animated in foreign countries by using the traditionally inked-and-painted cel process as late as 2004; though most of them switched over to the digital process at some point during their run. The last major feature film to use traditional ink and paint was Studio Ghibli's Princess Mononoke (1997); the last major animation production to use the traditional process was Cartoon Network's Ed, Edd n Eddy, which switched to digital paint in 2004.[8] Minor productions such as Hair High (2004) by Bill Plympton have used traditional cels long after the introduction of digital techniques. Most studios today use one of a number of other high-end software packages, such as Toon Boom Harmony, Toonz Bravo!, Animo, and RETAS, or even consumer-level applications such as Adobe Flash, Toon Boom Studio, UbiArt FrameworkTVPaint, and Toonz Harlequin.
Computers and digital video cameras
Computers and digital video cameras can also be used as tools in traditional cel animation without affecting the film directly, assisting the animators in their work and making the whole process faster and easier. Doing the layouts on a computer is much more effective than doing it by traditional methods.[9]Additionally, video cameras give the opportunity to see a "preview" of the scenes and how they will look when finished, enabling the animators to correct and improve upon them without having to complete them first. This can be considered a digital form of pencil testing.
Techniques
Cels
This image shows how two transparent cels, each with a different character drawn on them, and an opaque background are photographed together to form the composite image.
The cel is an important innovation to traditional animation, as it allows some parts of each frame to be repeated from frame to frame, thus saving labor. A simple example would be a scene with two characters on screen, one of which is talking and the other standing silently. Since the latter character is not moving, it can be displayed in this scene using only one drawing, on one cel, while multiple drawings on multiple cels are used to animate the speaking character.
For a more complex example, consider a sequence in which a boy sets a plate upon a table. The table stays still for the entire sequence, so it can be drawn as part of the background. The plate can be drawn along with the character as the character places it on the table. However, after the plate is on the table, the plate no longer moves, although the boy continues to move as he draws his arm away from the plate. In this example, after the boy puts the plate down, the plate can then be drawn on a separate cel from the boy. Further frames feature new cels of the boy, but the plate does not have to be redrawn as it is not moving; the same cel of the plate can be used in each remaining frame that it is still upon the table. The cel paints were actually manufactured in shaded versions of each color to compensate for the extra layer of cel added between the image and the camera; in this example, the still plate would be painted slightly brighter to compensate for being moved one layer down. In TV and other low-budget productions, cels were often "cycled" (i.e., a sequence of cels was repeated several times), and even archived and reused in other episodes. After the film was completed, the cels were either thrown out or, especially in the early days of animation, washed clean and reused for the next film. Also, after the completion of the film, some of the cels were put into the "archive" to be used again and again for future purposes in order to save money. Some studios saved a portion of the cels and either sold them in studio stores or presented them as gifts to visitors.
How Animated Cartoons Are Made(1919), showing characters made from cut-out paper
In very early cartoons made before the use of the cel, such as Gertie the Dinosaur (1914), the entire frame, including the background and all characters and items, were drawn on a single sheet of paper, then photographed. Everything had to be redrawn for each frame containing movements. This led to a "jittery" appearance; imagine seeing a sequence of drawings of a mountain, each one slightly different from the one preceding it. The pre-cel animation was later improved by using techniques like the slash and tear system invented by Raoul Barre; the background and the animated objects were drawn on separate papers.[10] A frame was made by removing all the blank parts of the papers where the objects were drawn before being placed on top of the backgrounds and finally photographed. The cel animation process was invented by Earl Hurdand John Bray in 1915.
Limited animation
In lower-budget productions, shortcuts available through the cel technique are used extensively. For example, in a scene in which a man is sitting in a chair and talking, the chair and the body of the man may be the same in every frame; only his head is redrawn, or perhaps even his head stays the same while only his mouth moves. This is known as limited animation.[11] The process was popularized in theatrical cartoons by United Productions of America and used in most television animation, especially that of Hanna-Barbera. The end result does not look very lifelike, but is inexpensive to produce, and therefore allows cartoons to be made on small television budgets.
"Shooting on twos"
Moving characters are often shot "on twos", that is to say, one drawing is shown for every two frames of film (which usually runs at 24 frames per second), meaning there are only 12 drawings per second.[12] Even though the image update rate is low, the fluidity is satisfactory for most subjects. However, when a character is required to perform a quick movement, it is usually necessary to revert to animating "on ones", as "twos" are too slow to convey the motion adequately. A blend of the two techniques keeps the eye fooled without unnecessary production cost.
Academy Award-nominated animator Bill Plympton is noted for his style of animation that uses very few in-betweens and sequences that are done on threes or on fours, holding each drawing on the screen from an eighth to a sixth of a second.[13] While Plympton uses near-constant three-frame holds, sometimes animation that simply averages eight drawings per second is also termed "on threes" and is usually done to meet budget constraints, along with other cost-cutting measures like holding the same drawing of a character for a prolonged time or panning over a still image,[14] techniques often used in low-budget TV productions.[15] It is also common in anime, where fluidity is sacrificed in lieu of a shift towards complexity in the designs and shading (in contrast with the more functional and optimized designs in the western tradition); even high-budget theatrical features such as Studio Ghibli's employ the full range: from smooth animation "on ones" in selected shots (usually quick action accents) to common animation "on threes" for regular dialogue and slow-paced shots.
Animation loops
A horse animated by rotoscopingfrom Eadweard Muybridge's 19th-century photos. The animation consists of 8 drawings which are "looped", i.e. repeated over and over. This example is also "shot on twos", i.e. shown at 12 drawings per second.
Creating animation loops or animation cycles is a labor-saving technique for animating repetitive motions, such as a character walking or a breeze blowing through the trees. In the case of walking, the character is animated taking a step with his right foot, then a step with his left foot. The loop is created so that, when the sequence repeats, the motion is seamless. However, since an animation loop essentially uses the same bit of animation over and over again, it is easily detected and can, in fact, become distracting to an audience. In general, they are used only sparingly by productions with moderate or high budgets.
Ryan Larkin's 1969 Academy Award-nominated National Film Board of Canadashort Walking makes creative use of loops. In addition, a promotional music video from Cartoon Network's Groovies featuring the Soul Coughing song "Circles" poked fun at animation loops as they are often seen in The Flintstones, in which Fred and Barney (along with various Hanna-Barbera characters that aired on Cartoon Network), supposedly walking in a house, wonder why they keep passing the same table and vase over and over again.
Multiplane camera
The multiplane camera is a tool used to add depth to scenes in 2D animated movies, called the multiplane effect or the parallax process. The art is placed on different layers of glass plates, and as the camera moves vertically towards or away from the artwork levels, the camera's viewpoint appears to move through the various layers of artwork in 3D space. The panorama views in Pinocchio are examples of the effects a multiplane camera can achieve. Different versions of the camera have been made through time, but the most famous is the one developed by the Walt Disney studio beginning with their 1937 short The Old Mill. Another one, the "Tabletop", was developed by Fleischer Studios. The Tabletop, first used in 1934's Poor Cinderella, used miniature sets made of paper cutouts placed in front of the camera on a rotating platform, with the cels between them. By rotating the entire setup one frame at a time in accordance with the cel animation, realistic panoramas could be created. Ub Iwerks and Don Bluth also built multiplane cameras for their studios.
Xerography
Applied to animation by Ub Iwerks at the Walt Disney studio during the late 1950s, the electrostatic copying technique called xerography allowed the drawings to be copied directly onto the cels, eliminating much of the "inking" portion of the ink-and-paint process.[16] This saved time and money, and it also made it possible to put in more details and to control the size of the xeroxed objects and characters (this replaced the little known, and seldom used, photographic lines technique at Disney, used to reduce the size of animation when needed). At first, it resulted in a more sketchy look, but the technique was improved upon over time.
Disney animator and engineer Bill Justice had patented a forerunner of the Xerox process in 1944, where drawings made with a special pencil would be transferred to a cel by pressure, and then fixing it. It is not known if the process was ever used in animation.[17]
The xerographic method was first tested by Disney in a few scenes of Sleeping Beauty and was first fully used in the short film Goliath II, while the first feature entirely using this process was One Hundred and One Dalmatians (1961). The graphic style of this film was strongly influenced by the process. Some hand inking was still used together with xerography in this and subsequent films when distinct colored lines were needed. Later, colored toners became available, and several distinct line colors could be used, even simultaneously. For instance, in The Rescuers the characters' outlines are gray. White and blue toners were used for special effects, such as snow and water.
The APT process
Invented by Dave Spencer for the 1985 Disney film The Black Cauldron, the APT (Animation Photo Transfer) process was a technique for transferring the animators' art onto cels. Basically, the process was a modification of a repro-photographic process; the artists' work were photographed on high-contrast "litho" film, and the image on the resulting negative was then transferred to a celcovered with a layer of light-sensitive dye. The cel was exposed through the negative. Chemicals were then used to remove the unexposed portion. Small and delicate details were still inked by hand if needed. Spencer received an Academy Award for Technical Achievement for developing this process.
Cel overlay
A cel overlay is a cel with inanimate objects used to give the impression of a foreground when laid on top of a ready frame.[18] This creates the illusion of depth, but not as much as a multiplane camera would. A special version of cel overlay is called line overlay, made to complete the background instead of making the foreground, and was invented to deal with the sketchy appearance of xeroxed drawings. The background was first painted as shapes and figures in flat colors, containing rather few details. Next, a cel with detailed black lines was laid directly over it, each line drawn to add more information to the underlying shape or figure and give the background the complexity it needed. In this way, the visual style of the background will match that of the xeroxed character cels. As the xerographic process evolved, line overlay was left behind.
Bengoli---2 ডি অ্যানিমেশন কি?------------- ++++ --- ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশন (বা ক্লাসিক্যাল অ্যানিমেশন, সিএল অ্যানিমেশন বা হাতের টানা অ্যানিমেশন) একটি অ্যানিমেশন টেকনিক যেখানে প্রতিটি ফ্রেম হাত দ্বারা টানা হয়। কম্পিউটার অ্যানিমেশনের আবির্ভাব পর্যন্ত এই কৌশলটি সিনেমার অ্যানিমেশনের প্রভাবশালী রূপ ছিল।
ProcessEdit
অ্যানিমেশন প্রযোজনার একটি গল্প সিদ্ধান্ত দ্বারা শুরু। মৌখিক বা সাহিত্য উত্স উপাদান তারপর একটি অ্যানিমেশন ফিল্ম লিপির রূপান্তর করা উচিত, যা থেকে স্টোরিবোর্ড উদ্ভূত হয়। স্টোরিবোর্ডে একটি কৌতুকপূর্ণ বইয়ের অনুরূপ একটি চেহারা রয়েছে এবং এটি শটগুলির ক্রমকে ধারাবাহিক স্কেচ হিসেবে দেখায় যা রূপান্তর, ক্যামেরা অ্যাঙ্গেল এবং ফ্রেমিংকে নির্দেশ করে। ইমেজগুলি অ্যানিমেশন টিমের প্ল্যাটফর্মে প্রবাহ এবং চিত্রাবলীর গঠন পরিকল্পনা করার অনুমতি দেয়। স্টোরিবোর্ডের শিল্পীদের পরিচালক সঙ্গে নিয়মিত বৈঠক আছে এবং এটি চূড়ান্ত অনুমোদন পূরণের আগে রেঙ্ক বা "পুনরায় বোর্ড" একটি অনুক্রম অনেক বার হতে পারে।
ভয়েস রেকর্ডিং সম্পাদনা
সত্য অ্যানিমেশন শুরু হওয়ার আগে, একটি প্রাথমিক সাউন্ডট্র্যাক বা "স্ক্র্যাচ ট্র্যাক" রেকর্ড করা হয়, যাতে অ্যানিমেশন আরো সঠিকভাবে সাউন্ডট্র্যাকের সাথে সিঙ্ক্রোনাইজ করা যায়। ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশনটি তৈরি করা হয় এমন ধীরগতি, পদ্ধতিগত পদ্ধতিতে দেওয়া, এটি প্রাক-বিদ্যমান অ্যানিমেশনে একটি সাউন্ডট্র্যাক সিঙ্ক্রোনাইজ করার চেয়ে প্রাক-বিদ্যমান সাউন্ডট্র্যাকের অ্যানিমেশনের সাথে প্রায়শই সহজতর। একটি সম্পূর্ণ কার্টুন সাউন্ডট্র্যাক ভয়েস অভিনেতা দ্বারা সঞ্চালিত সঙ্গীত, শব্দ প্রভাব, এবং সংলাপ বৈশিষ্ট্য হবে। যাইহোক, অ্যানিমেশন সময় ব্যবহৃত স্ক্র্যাচ ট্র্যাক শুধুমাত্র কণ্ঠস্বর আছে, কোন কণ্ঠ্য গান যা অক্ষর বরাবর গান করতে হবে, এবং অস্থায়ী সঙ্গীত স্কোর ট্র্যাক; পোস্ট উত্পাদন সময় চূড়ান্ত স্কোর এবং শব্দ প্রভাব যোগ করা হয়।
জাপানী এনিমের ক্ষেত্রেও 1930-এর আগে বেশিরভাগ অ্যানিমেটেড কার্টুনের শব্দটি শব্দটিকে সংকলন করা হয়েছিল; যে, সাউন্ডট্র্যাক চলচ্চিত্রের উপাদানগুলি দেখার পর চলচ্চিত্রটি দেখে এবং সংলাপ, সঙ্গীত এবং সাউন্ডের প্রভাবগুলি সম্পন্ন করার পরে রেকর্ড করা হয়েছিল। বেশ কয়েকটি স্টুডিও, বেশিরভাগ উল্লেখযোগ্য ফ্লেশার স্টুডিওস, বেশিরভাগ 1930-এর মধ্যে তাদের কার্টুনগুলি একত্রিত করে চলেছিল, যা অনেক পপেইতে নাবিক এবং বেটি বোপ কার্টুনগুলিতে "muttered ad-libs" উপস্থিতির অনুমতি দেয়
AnimaticEdit
প্রায়ই, একটি অ্যানিমেটিক বা গল্পটি তৈরি করা হয় সাউন্ডট্র্যাক তৈরির পরে, কিন্তু সম্পূর্ণ অ্যানিমেশন শুরু হওয়ার আগে। একটি অ্যানিটিক্স সাধারণত সাউন্ডট্র্যাকের সাথে সিঙ্ক্রোনাইজ স্টোরিবোর্ডের ছবি নিয়ে গঠিত। এটি অ্যানিম্যান্টর এবং ডিরেক্টরকে বর্তমান স্ক্রিনবোর্ডের সাথে বিদ্যমান কোনও স্ক্রিপ্ট এবং টাইমিং সমস্যাগুলির কাজ করার অনুমতি দেয়। স্টোরিবোর্ড এবং সাউন্ডট্র্যাক সংশোধিত হলে প্রয়োজন হয় এবং স্টারবোর্ডটি নিখুঁত না হওয়া পর্যন্ত একটি নতুন অ্যানিমেটিক তৈরি করা যায় এবং পরিচালকের সাথে পর্যালোচনা করা যেতে পারে। অ্যানিমেটেড স্টেজে চলচ্চিত্রটি সম্পাদন করে দৃশ্যের অ্যানিমেশনকে বাধা দেয় যা ফিল্মের বাইরে সম্পাদিত হবে; হিসাবে ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশন একটি খুব ব্যয়বহুল এবং সময় ভোক্তা প্রক্রিয়া, শেষ দৃশ্যগুলি যে সম্পূর্ণ সমাপ্ত কার্টুন সম্পাদিত হয় কঠোরভাবে এড়িয়ে যাওয়া হয় তৈরি।
বিজ্ঞাপনের এজেন্সী আজ পূর্ণবয়স্ক স্থানগুলিতে তৈরি করার আগে তাদের বিজ্ঞাপন পরীক্ষা করার জন্য অ্যানিমিটিক্স ব্যবহার করে। Animatics টানা আর্টওয়ার্ক ব্যবহার করে, চলন্ত টুকরা দিয়ে (উদাহরণস্বরূপ, একটি বাহু যা একটি পণ্য, বা মাথা যে সক্রিয় জন্য ছুঁয়েছে)। ভিডিও স্টোরিবোর্ডগুলি অ্যানিমাতিকদের অনুরূপ কিন্তু চলন্ত টুকরা নেই। ফটোটাটিক্স পরীক্ষা বিকল্পগুলি তৈরি করার সময় অন্য একটি বিকল্প, কিন্তু আঁকা আর্টওয়ার্ক ব্যবহার করার পরিবর্তে, একটি অঙ্কুর আছে যা শত শত ডিজিটাল ছবি গ্রহণ করা হয়। ইমেজ থেকে বিপুল সংখ্যক ইমেজ নির্বাচন করা একটি পরীক্ষামূলক বানিজ্যিক প্রক্রিয়াটি একটু সহজ করে তুলতে পারে, যেহেতু একটি অ্যানিমেটিক তৈরির বিরোধিতা করা হয়, কারণ শিল্পের পরিবর্তনগুলি সময় এবং অর্থ গ্রহণ করে। ফটোটিক্স সাধারণত অ্যানিম্যান্টিক্সের তুলনায় বেশি খরচ করে, যেমন তাদের একটি শ্যুটিং এবং অন ক্যামেরা প্রতিভা প্রয়োজন হতে পারে। যাইহোক, সাশ্রয়ী স্টক ফটোগ্রাফি এবং ইমেজ এডিটিং সফ্টওয়্যারের উত্থান স্টক উপাদান এবং ফটো কম্পোজিটগুলি ব্যবহার করে ফোটিটিক্সের সস্তা সৃষ্টি অনুমোদন করে।
ডিজাইন এবং সময়সীমা সম্পাদনা
AnimaticEdit
প্রায়ই, একটি অ্যানিমেটিক বা গল্পটি তৈরি করা হয় সাউন্ডট্র্যাক তৈরির পরে, কিন্তু সম্পূর্ণ অ্যানিমেশন শুরু হওয়ার আগে। একটি অ্যানিটিক্স সাধারণত সাউন্ডট্র্যাকের সাথে সিঙ্ক্রোনাইজ স্টোরিবোর্ডের ছবি নিয়ে গঠিত। এটি অ্যানিম্যান্টর এবং ডিরেক্টরকে বর্তমান স্ক্রিনবোর্ডের সাথে বিদ্যমান কোনও স্ক্রিপ্ট এবং টাইমিং সমস্যাগুলির কাজ করার অনুমতি দেয়। স্টোরিবোর্ড এবং সাউন্ডট্র্যাক সংশোধিত হলে প্রয়োজন হয় এবং স্টারবোর্ডটি নিখুঁত না হওয়া পর্যন্ত একটি নতুন অ্যানিমেটিক তৈরি করা যায় এবং পরিচালকের সাথে পর্যালোচনা করা যেতে পারে। অ্যানিমেটেড স্টেজে চলচ্চিত্রটি সম্পাদন করে দৃশ্যের অ্যানিমেশনকে বাধা দেয় যা ফিল্মের বাইরে সম্পাদিত হবে; হিসাবে ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশন একটি খুব ব্যয়বহুল এবং সময় ভোক্তা প্রক্রিয়া, শেষ দৃশ্যগুলি যে সম্পূর্ণ সমাপ্ত কার্টুন সম্পাদিত হয় কঠোরভাবে এড়িয়ে যাওয়া হয় তৈরি।
বিজ্ঞাপনের এজেন্সী আজ পূর্ণবয়স্ক স্থানগুলিতে তৈরি করার আগে তাদের বিজ্ঞাপন পরীক্ষা করার জন্য অ্যানিমিটিক্স ব্যবহার করে। Animatics টানা আর্টওয়ার্ক ব্যবহার করে, চলন্ত টুকরা দিয়ে (উদাহরণস্বরূপ, একটি বাহু যা একটি পণ্য, বা মাথা যে সক্রিয় জন্য ছুঁয়েছে)। ভিডিও স্টোরিবোর্ডগুলি অ্যানিমাতিকদের অনুরূপ কিন্তু চলন্ত টুকরা নেই। ফটোটাটিক্স পরীক্ষা বিকল্পগুলি তৈরি করার সময় অন্য একটি বিকল্প, কিন্তু আঁকা আর্টওয়ার্ক ব্যবহার করার পরিবর্তে, একটি অঙ্কুর আছে যা শত শত ডিজিটাল ছবি গ্রহণ করা হয়। ইমেজ থেকে বিপুল সংখ্যক ইমেজ নির্বাচন করা একটি পরীক্ষামূলক বানিজ্যিক প্রক্রিয়াটি একটু সহজ করে তুলতে পারে, যেহেতু একটি অ্যানিমেটিক তৈরির বিরোধিতা করা হয়, কারণ শিল্পের পরিবর্তনগুলি সময় এবং অর্থ গ্রহণ করে। ফটোটিক্স সাধারণত অ্যানিম্যান্টিক্সের তুলনায় বেশি খরচ করে, যেমন তাদের একটি শ্যুটিং এবং অন ক্যামেরা প্রতিভা প্রয়োজন হতে পারে। যাইহোক, সাশ্রয়ী স্টক ফটোগ্রাফি এবং ইমেজ এডিটিং সফ্টওয়্যারের উত্থান স্টক উপাদান এবং ফটো কম্পোজিটগুলি ব্যবহার করে ফোটিটিক্সের সস্তা সৃষ্টি অনুমোদন করে।
ডিজাইন এবং সময়সীমা সম্পাদনা
একবার অ্যানিমেটিকে অনুমোদন দেওয়া হয়েছে, এটি এবং স্টোরিবোর্ড ডিজাইন বিভাগগুলিতে পাঠানো হয়েছে। ক্যারেক্টার ডিজাইনার ফিল্মের সমস্ত গুরুত্বপূর্ণ চরিত্র এবং প্রপোজ জন্য মডেল শীট প্রস্তুত; এই চেহারা, ভঙ্গি, এবং অঙ্গভঙ্গি মানদণ্ড সাহায্য ব্যবহৃত হয়। এই মডেল শীট দেখাবে কিভাবে একটি অক্ষর বা অবজেক্ট বিভিন্ন অঙ্গভঙ্গি এবং এক্সপ্রেশন সঙ্গে বিভিন্ন কোণ থেকে দেখায় যে যাতে প্রকল্পের কাজ সমস্ত শিল্পী ধারাবাহিক কাজ সরবরাহ করতে পারেন। কখনও কখনও, ম্যাকটেটস নামে পরিচিত ছোট মূর্তিগুলি উত্পাদিত হতে পারে, যাতে একটি অ্যানিম্যান্ট তিন অক্ষরের মত একটি চরিত্রের মত দেখতে পারেন। একই সময়ে, ব্যাকগ্রাউন্ড স্টাইলিস্ট প্রকল্পে সেটিংস এবং অবস্থানগুলির জন্য একই ধরনের কাজ করবে, এবং শিল্প পরিচালক এবং রঙের স্টাইলিস্টগুলি ব্যবহার করার জন্য শিল্প শৈলী এবং রঙের স্কিম নির্ধারণ করবে।
নকশা চলছে, সময় পরিচালক (যা অনেক ক্ষেত্রে প্রধান পরিচালক হবে) animatic লাগে এবং বিশ্লেষণ কি ভঙ্গি, আঁকা, এবং ঠোঁটের আন্দোলন কি ফ্রেম প্রয়োজন হবে। একটি এক্সপোজারশীট শীট (বা শর্টের জন্য এক্স-শীট) তৈরি করা হয়; এটি একটি প্রিন্ট সারণী যা এনিমাইটরগুলির জন্য একটি নির্দেশিকা হিসাবে কর্ম, সংলাপ এবং শব্দ ফ্রেম-বাই-ফ্রেমটি ভেঙ্গে দেয়। যদি কোনও চলচ্চিত্র সঙ্গীতে আরো দৃঢ়ভাবে প্রতিষ্ঠিত হয়, তবে একটি বার পত্রকটি এক্স-চিটের পরিবর্তে বা পরিবর্তিত হতে পারে। [1] বার শীটগুলি স্ক্রিনে ব্যবহৃত অন-স্ক্রিন অ্যাকশন, ডায়ালগ এবং প্রকৃত বাদ্যযন্ত্রের নোটেশনের মধ্যে সম্পর্ক প্রদর্শন করে।
ডিজাইন সম্পন্ন এবং পরিচালক দ্বারা অনুমোদিত হয় পরে লেআউট শুরু। লেআউট প্রসেসটি একটি লাইভ-অ্যাকশন ফিল্মে একটি সিনটামোগ্রাফার দ্বারা শটগুলির ছড়ানো হিসাবে একই। এটি এখানে যে পটভূমি লেআউট শিল্পীরা ক্যামেরা কোণ, ক্যামেরা পাথ, আলো এবং দৃশ্যের ছায়াছবি নির্ধারণ করে। অক্ষর লেআউট শিল্পীরা দৃশ্যের অক্ষরের জন্য প্রধান ভঙ্গি নির্ধারণ করবে এবং প্রত্যেকটি অঙ্গনকে নির্দেশ করতে একটি অঙ্কন তৈরি করবে। শর্ট ফিল্মগুলির জন্য, চরিত্রের লেআউটগুলি প্রায়ই পরিচালকের দায়িত্ব হয়।
লেআউট অঙ্কন এবং স্টোরিবোর্ডগুলি তখন spliced হয়, অডিও সহ এবং একটি অ্যানিমেটিক গঠন করা হয় (তার পূর্বসূরির সাথে বিভ্রান্ত না হওয়া, লেইকা রিল)। শব্দটি "অ্যানানিক্যাটিক" মূলত ওয়াল্ট ডিজনি অ্যানিমেশন স্টুডিও দ্বারা উদ্ভূত ছিল।
AnimationEdit
একবার অ্যানিমেটিক পরিচালককে অবশেষে অনুমোদন করে, অ্যানিমেশন শুরু হয়।
ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশন প্রক্রিয়ার মধ্যে, অ্যানিম্যান্টগুলি তাদের ডেস্কগুলিতে খাঁজ বারের মতো মাপসই স্বচ্ছ কাগজপত্রের শীটগুলির অ্যানিমেশনের আকৃতি আঁকতে শুরু করে, প্রায়ই রঙিন পেন্সিল, এক ছবি বা "ফ্রেম" এক সময়ে ব্যবহার করে। [২] একটি খোদাই বারটি একটি অ্যানিমেশন সরঞ্জাম যা প্রথাগত (cel) অ্যানিমেশনে ব্যবহার করা হয়। খাঁজ বার মধ্যে পিন কাগজ মধ্যে গর্ত মেলে। এটি ব্যবহার করা হচ্ছে উপর নির্ভর করে, এটি অ্যানিমেশন ডেস্ক বা হালকা টেবিল সংযুক্ত করা হয়। একটি কী অ্যানিম্যান্ট বা সীসা অ্যানিম্যান্ট একটি দৃশ্যের চরিত্রের লেআউটগুলি ব্যবহার করে একটি দৃশ্যের মূল অঙ্কন আঁকবেন। কী অ্যানিম্যান্ট কর্মের প্রধান পয়েন্ট জুড়ে পেতে যথেষ্ট ফ্রেম ড্রপ; একটি ফাঁক জুড়ে একটি চরিত্র জ্যামিং একটি ক্রম মধ্যে, কী অ্যানিম্যান্ট অক্ষর একটি ফ্রেম আঁকা হতে পারে হিসাবে তিনি চূড়ান্ত হয়, দুই বা ততোধিক ফ্রেম হিসাবে চরিত্র বায়ু মাধ্যমে উড়ন্ত হয় এবং অন্য অক্ষর উপর অবতরণ জন্য ফ্রেম ফাঁক পাশ
এই ফ্রেম অঙ্কিত অ্যানিম্যান্টদের জন্য সময় গুরুত্বপূর্ণ; ফ্রেমটির মুহূর্তে প্রতিটি ফ্রেমটি সাউন্ডট্র্যাকে চলছে কি না তা ঠিক করা উচিত, না অন্যদিকে শব্দ ও চাক্ষুষের মধ্যে পার্থক্য দর্শকদের বিক্ষেপ করবে। উদাহরণস্বরূপ, উচ্চ-বাজেটের প্রযোজনার ক্ষেত্রে, চরিত্রটির অভিনেতা হিসাবে তিনি কথা বলার শব্দটি শব্দটির আকারের সাথে একটি কথা বলার চরিত্রের মুখের মিলগুলি নিশ্চিত করার জন্য ব্যাপক প্রচেষ্ট করা হয়।
একটি দৃশ্য কাজ করার সময়, একটি কী অ্যানিম্যান্ট সাধারণত দৃশ্যের একটি পেন্সিল পরীক্ষা প্রস্তুত করা হবে। একটি পেন্সিল পরীক্ষা চূড়ান্ত অ্যানিমেটেড দৃশ্যের একটি প্রাথমিক সংস্করণ; পেনসিল অঙ্কন দ্রুত ছবি বা স্ক্যান করা এবং প্রয়োজনীয় সাউন্ডট্র্যাকগুলির সাথে সিঙ্ক করা হয়। এটি অ্যানিমেশনটি তার সহকারী অ্যানিম্যান্টের কাজ শেষ করার আগে এটি পর্যালোচনা এবং উন্নত করতে সক্ষম হবে, যারা দৃশ্যের সাথে কিছু দৃশ্য এবং কিছু অনুপস্থিত ফ্রেম যোগ করবে। পরিচালক অ্যানিম্যান্টের কাজটি পর্যালোচনার জন্য, পেনসিল-পরীক্ষা করা এবং সংশোধন করা হয়, যতক্ষণ না সীড অ্যানিম্যান্ট পরিচালককে সাথে দেখা করার জন্য প্রস্তুত থাকে এবং তার দৃশ্যটি সতেজ হয় বা পরিচালক, প্রযোজক এবং অন্যান্য কী সৃজনশীল দল সদস্যদের দ্বারা পর্যালোচনা করা হয়। স্টোরিবোর্ডিং পর্যায়েও অনুরূপ, একটি অ্যানিম্যান্টের পরিচালককে এটি অনুমোদন করার আগে অনেকবার একটি দৃশ্যের পুনরাবৃত্তি করতে হবে।
উচ্চ বাজেটের অ্যানিমেটেড প্রযোজনার মধ্যে, প্রায়ই প্রতিটি প্রধান চরিত্রের একটি চরিত্র অঙ্কন নিবেদিত শুধুমাত্র একটি অ্যানিম্যান্ট বা অ্যানিমর্মটর গ্রুপ থাকবে গোষ্ঠীটি এক নিরীক্ষণকারী অ্যানিম্যানটর, কী অ্যানিম্যান্টগুলির একটি ছোট গ্রুপ এবং একটি সহকারী অ্যানিম্যান্টগুলির বৃহত গ্রুপ গঠিত হবে। দুটি অক্ষর ইন্টারঅ্যাক্ট যেখানে দৃশ্য জন্য, উভয় অক্ষর জন্য কী অ্যানিম্যান্ট সিদ্ধান্ত নিতে হবে কোন চরিত্রটি "নেতৃস্থানীয়" দৃশ্য, এবং যে চরিত্র প্রথম টানা হবে। দ্বিতীয় চরিত্র "নেতৃস্থানীয়" চরিত্রের কর্মের প্রতিক্রিয়া এবং সমর্থন করার জন্য অ্যানিমেটেড হবে।
একবার কী অ্যানিমেশনটি অনুমোদিত হয়, সীড অ্যানিম্যান্ট পরিষ্কার-আপ বিভাগের দৃশ্যকে পরিষ্কার করে দেয়, পরিষ্কার আপ অ্যানিম্যান্ট এবং ইনবেটিনেয়ারগুলি তৈরি করে। পরিষ্কার আপ অ্যানিম্যান্টস লিড এবং সহকারী অ্যানিম্যান্টরদের ছবি আঁকেন এবং তাদের একটি নতুন পত্রকের কাগজে নিয়ে আসেন, মূল মডেল শীটগুলিতে উপস্থিত সকল বিবরণ সহকারে যত্ন নিচ্ছেন, যাতে মনে হয় যে একজন ব্যক্তি পুরো ফিল্মকে প্রাণবন্ত করে তুলেছেন অন্যান্য অ্যানিমেন্টের আঁকাগুলির মধ্যে যে কোনও ফ্রেম এখনও অনুপস্থিত থাকায় inbetweeners আঁকা হবে। এই পদ্ধতিটি বলা হয় tweening। ফলে অঙ্কনগুলি আবার পেনসিল-পরীক্ষিত এবং sweatboxed হয় যতক্ষণ না তারা অনুমোদন পূরণ করে।
পেন্সিল অ্যানিমেশনের সময় প্রতিটি পর্যায়ে অনুমোদিত আর্টওয়ার্কটি লেইকা রীলের মধ্যে ছড়িয়ে পড়ে। [3]
এই প্রক্রিয়া উভয় চরিত্র অ্যানিমেশন এবং বিশেষ প্রভাব অ্যানিমেশন জন্য একই, যা অধিকাংশ উচ্চ বাজেট প্রযোজনার পৃথক বিভাগে সম্পন্ন করা হয়। প্রভাব অ্যানিম্যান্ট কিছু যে চিমনি চটকান এবং একটি অক্ষর, সহপাঠী, যানবাহন, যন্ত্রপাতি এবং ঘটনা যেমন আগুন, বৃষ্টি, এবং বিস্ফোরণ অন্তর্ভুক্ত না। মাঝে মাঝে, আঁকারের পরিবর্তে, অ্যানিমেটেড চলচ্চিত্রে বিশেষ প্রভাব তৈরিতে কয়েকটি বিশেষ প্রক্রিয়া ব্যবহার করা হয়; উদাহরণস্বরূপ, বৃষ্টির ফলে, 1930 সালের শেষের দিকে একটি কালো পটভূমির সামনে জলের ধীর গতির ফুটেজ চিত্রগ্রহণ করে ডিজনি অ্যানিমেটেড চলচ্চিত্রে তৈরি করা হয়, ফলে ছবিটি অ্যানিমেশনের উপর ছড়িয়ে পড়ে।
পেনসিল টেস্টএডিট
সব অঙ্কন পরিষ্কার করা হয় পরে, তারা তারপর একটি অ্যানিমেশন ক্যামেরা, সাধারণত কালো এবং সাদা ফিল্ম স্টক ছবি। [4] আজকাল, একটি ভিডিও ক্যামেরা এবং কম্পিউটার সফ্টওয়্যার ব্যবহার করে পেন্সিল পরীক্ষা করা যেতে পারে।
BackgroundsEdit
অ্যানিমেশনটি সম্পন্ন হলে, পটভূমির শিল্পীরা সেটগুলি আঁকবেন যার উপর প্রতিটি অ্যানিমেটেড অনুক্রমের কর্ম সঞ্চালিত হবে। এই ব্যাকগ্রাউন্ড সাধারণত gouache বা এক্রাইলিক রঙে করা হয়, যদিও কিছু অ্যানিমেটেড প্রযোজনার জল রং বা তেল পেইন্ট করা ব্যাকগ্রাউন্ড ব্যবহার করেছেন। ব্যাকগ্রাউন্ড শিল্পীরা পটভূমি লেআউট শিল্পীদের এবং রং স্টাইলিস্টদের (যা সাধারণত তাদের কাজের জন্য একটি ওয়ার্কবুকের মধ্যে সংকলন করা হয়) কাজটি খুব ঘনিষ্ঠভাবে অনুসরণ করে যাতে ফলাফলের পটভূমি চরিত্র নকশার সাথে সুরক্ষার সাথে সুবিন্যস্ত হয়।
ঐতিহ্যবাহী কালি-এবং-পেইন্ট এবং ক্যামেরা সম্পাদনা
একবার সাফের জন্য পরিষ্কার-আপ এবং মধ্যবর্তী রেখাচিত্র সম্পন্ন হলে, তারা ফটোগ্রাফির জন্য প্রস্তুত হয়, একটি প্রক্রিয়া যা কালি-ও-পেইন্ট নামে পরিচিত। প্রতিটি অঙ্কনটি কাগজ থেকে স্থানান্তরিত হয় একটি পাতলা, পরিষ্কার শীট, যা একটি সেল নামে পরিচিত হয়, উপাদান নাম সেলুলয়েড (মূল জালিয়াতি সেলুলোজ নাইট্র্রেটকে আরও স্থিতিশীল সেলুলোজ এসিেটেট দিয়ে প্রতিস্থাপিত করা হয়) এর সংকোচন। অঙ্কনের রূপরেখাটি সন্নিবেশিত হয় বা সিলে সম্মুখের ফটোকপি করা হয়, এবং গৌচার, অনুরূপ ধরনের এক্রাইলিকের রং যথাযথ ছায়াময়গুলিতে রঙ যোগ করার জন্য সেলগুলির বিপরীত দিকে ব্যবহৃত হয়। অনেক ক্ষেত্রে, অক্ষরের তাদের দেওয়া একাধিক রঙ প্যালেট থাকবে; প্রতিটি দৃশ্যের ব্যবহার প্রতিটি দৃশ্যের মেজাজ এবং আলো উপর নির্ভর করে। Cel এর স্বচ্ছ গুণমান একটি ফ্রেমে প্রতিটি অক্ষর বা বস্তুর জন্য বিভিন্ন সেলগুলির উপর অ্যানিমেশন করা যায়, যেহেতু এক অক্ষরের cel অন্যের নীচের অংশে দেখা যায়; এবং অপ্রচিব ব্যাকগ্রাউন্ড সব cels নীচের দেখা হবে।
যখন একটি সম্পূর্ণ ক্রম সেল পরিবর্তন করা হয়েছে, ফোটোগ্রাফি প্রক্রিয়া শুরু হয়। স্ট্যাকের নিচের দিকের পটভূমির সাথে প্রতিটি ক্রমটি একটি ক্রমের একটি ফ্রেমে জড়িত হয়, একে অপরের উপরে থাকে। কোনও অনিয়মকে আবদ্ধ করার জন্য কাচের এক টুকরো শিল্পকর্মের দিকে কমে যায়, এবং কম্পোজিট ইমেজটি একটি বিশেষ অ্যানিমেশন ক্যামেরা দ্বারাও ফোটানো হয়, এছাড়াও রুস্তমের ক্যামেরা নামে। [5] সেলগুলি সরানো হয়, এবং পরবর্তী ফ্রেমের জন্য প্রক্রিয়া পুনরাবৃত্তি না হওয়া পর্যন্ত ক্রম অনুসারে প্রতিটি ফ্রেম ফোটানো হয়। প্রতিটি cel নিবন্ধন গর্ত, cel উপরের বা নীচের প্রান্ত বরাবর ছোট গর্ত, যা cel অনুরূপ খাঁজ কাটা বার [6] ক্যামেরা আগে প্রতিটি cel তার আগে এক সঙ্গে সাইনইন নিশ্চিত করার জন্য স্থাপন করা অনুমতি দেয়; যদি সেলস এইভাবে প্রান্তিক হয় না, তবে অ্যানিমেশনটি পূর্ণ গতিতে চালিত হলে "জীর্ণ" প্রদর্শিত হবে। কখনও কখনও, superimpositions এবং অন্যান্য ক্যামেরা প্রভাব বাস্তবায়ন করার জন্য ফ্রেম, একাধিকবার ফটোগ্রাফ করা প্রয়োজন হতে পারে। প্যানগুলি সিলেস বা পটভূমিগুলি একটি ধারাবাহিকভাবে ফ্রেমে (ক্যামেরাটি প্যান করা যায় না, এটি শুধুমাত্র ও জুম আউট) ধরে এক ধাপে সরানোর মাধ্যমে তৈরি করা হয়।

ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশন শুটিং করার জন্য ব্যবহৃত একটি ক্যামেরা। এছাড়াও Aerial ইমেজ দেখুন।
দৃশ্যগুলি চূড়ান্ত ফটোগ্রাফির বাইরে আসার সাথে সাথে, তারা লেইকা রিলেতে প্যানাসেল অ্যানিমেশনের স্থান গ্রহণ করে। একবার উত্পাদনের প্রতিটি ক্রম ফোটানো হয়েছে, চূড়ান্ত ফিল্ম বিকাশ এবং প্রক্রিয়াকরণের জন্য পাঠানো হয়, চূড়ান্ত সংগীত এবং শব্দ প্রভাব সাউন্ডট্র্যাকে যোগ করা হয়। আবার, ঐতিহ্যগত লাইভ-কর্মের অনুভূতিতে সম্পাদন করা সাধারণত অ্যানিমেশনে করা হয় না, তবে যদি এটি প্রয়োজন হয় তবে এই সময়টি করা হয়, তবে চলচ্চিত্রের চূড়ান্ত মুদ্রণ দুটির বা সম্প্রচারের জন্য প্রস্তুত হওয়ার আগে।
অক্সফোর্ড ক্যামেরার সবচেয়ে সাধারণ ধরনগুলির মধ্যে ছিল অক্সবেরি। এই ধরনের ক্যামেরাগুলি সর্বদা কালো অ্যালুমিনিয়ামের তৈরি হয়, এবং সাধারণত দুটি পেগবার থাকে, উপরের একটিতে এবং আলোর বক্সের নীচে। Oxberry মাস্টার সিরিজের চারটি pegbars, দুই উপরে এবং নীচের দুটি, এবং কখনও কখনও হিসাবে ভাল একটি "ভাসমান pegbar" ব্যবহৃত কলামের উচ্চতা যেখানে ক্যামেরাটি মাউন্ট করা হয়েছিল সেখানে আর্টওয়ার্কের একটি অংশে জুম পাওয়া যায়। এই ধরনের ক্যামেরাগুলি ব্যাপক যান্ত্রিক বিষয় ছিল যা একটি টন এর কাছাকাছি পরিমাপ করতে পারে এবং বিরতি বা সেট আপ করার জন্য ঘন্টা নিতে পারে।
অ্যানিমেশন রোস্টমম ক্যামেরার পরের বছরগুলোতে, কম্পিউটারের দ্বারা নিয়ন্ত্রিত স্টপার মোটরগুলি ক্যামেরার গতিবিধির বিভিন্ন অক্ষের সাথে যুক্ত ছিল, এর ফলে মানুষের অপারেটরদের হাতে হাত বাড়িয়ে অনেক ঘন্টা বাঁচানো হয়েছিল। ধীরে ধীরে, গতি নিয়ন্ত্রণ কৌশল সমগ্র শিল্প জুড়ে গৃহীত হয়।
ডিজিটাল কালি এবং পেইন্ট প্রসেসগুলি ধীরে ধীরে এই ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশন কৌশল ও যন্ত্রপাতি অপ্রচলিত করে তোলে।
ডিজিটাল কালি এবং পেইন্ট এডিড
বর্তমান প্রক্রিয়ায়, "ডিজিটাল কালি এবং পেইন্ট" নামক শব্দটি ঐতিহ্যগত কালি এবং পেইন্টের মতো একই রকম হয় যখন অ্যানিমেশনের অঙ্কনগুলি সম্পন্ন হয়; [7] পরিবর্তে সিলে স্থানান্তরের পরিবর্তে, অ্যানিম্যান্টরদের অঙ্কনগুলি সরাসরি একটি ডিজাইনারের মধ্যে স্ক্যান করা হয় একটি কম্পিউটার মনিটর (যেমন একটি Wacom Cintiq ট্যাবলেট) সম্মুখের দিকে, যেখানে তারা একাধিক সফটওয়্যার প্যাকেজ ব্যবহার করে রঙ্গিন এবং প্রক্রিয়াকৃত। ফলে ছবিগুলি তাদের নিজ নিজ ব্যাকগ্রাউন্ডে কম্পিউটারে কম্পোজিট করা হয়, যা কম্পিউটারে স্ক্যান করা হয় (যদি ডিজিটালভাবে আঁকা হয় না), এবং কম্পিউটার একটি ডিজিটাল ভিডিও ফাইল এক্সপোর্ট করে, একটি ভিডিও ক্যাসেট রেকর্ডার ব্যবহার করে, অথবা একটি উচ্চ-রেজোলিউশনের আউটপুট ডিভাইস ব্যবহার করে চলচ্চিত্র মুদ্রণ। কম্পিউটার ব্যবহার করে বিভাগ, স্টুডিও এবং এমনকি দেশ ও মহাদেশের মধ্যে শিল্পকর্ম সহজে বিনিময় করতে পারবেন (বেশিরভাগ কম বাজেটের আমেরিকান অ্যানিমেটেড প্রযোজনার মধ্যে, প্রচুর পরিমাণে অ্যানিমেশন প্রকৃতপক্ষে দক্ষিণ কোরিয়া, চীন, জাপান, সিঙ্গাপুর, মেক্সিকো এবং ভারত)। অ্যানিমেটেড চলচ্চিত্র ও টিভি প্রোগ্রামের জন্য নতুন অ্যালবাম এবং পেইন্টিং উভয়ের খরচ এবং নতুন অ্যানিমেটেড টিভি প্রোগ্রাম এবং চলচ্চিত্রগুলির জন্য পুরাতন সেলগুলির পুনরাবৃত্তিগত ব্যবহার বেড়ে যায় এবং ডিজিটালভাবে একই জিনিস করার খরচও বেড়ে যায়, অবশেষে ডিজিটাল কালি- এবং পেইন্ট প্রসেস ভবিষ্যতের অ্যানিমেটেড চলচ্চিত্র এবং টিভি প্রোগ্রামের জন্য আদর্শ হয়ে ওঠে। ডিজিটাল কালি এবং পেইন্টটি 1989 সাল থেকে ওয়াট ডিজনি ফিচার অ্যানিমেশনে ব্যবহার করা হয়েছে, যেখানে এটি দ্য লিটল ম্যারাডমের চূড়ান্ত স্ট্রিংবো শটটির জন্য ব্যবহৃত হয়েছিল। ডিজাইনের মালিকানাধীন সিএপিএস (কম্পিউটার অ্যানিমেশন উত্পাদনের ব্যবস্থা) প্রযুক্তি ব্যবহার করে পরবর্তী সব ডিজনি অ্যানিমেটেড ফিচারগুলি ডিজিটালের কানেক্ট-এ-পেইন্টেড (রিসকুয়ার্স ডাউন অ্যাড দিয়ে শুরু করা হয়, যা ডিজিটাল কালি এবং পেইন্টটি সম্পূর্ণরূপে ব্যবহার করে প্রথম মুখ্য বৈশিষ্ট্যটি ছিল)। প্রাথমিকভাবে পিক্সার
ডিজিটাল ডিজিটাল ভাঁজ এবং পেইন্টিং চালু করার সময় প্রথমটি ছিল, তবে এটি বাকি কাজটিকে অ্যাডাপ্টর করার জন্য দীর্ঘ সময় নেয়। অনেক চলচ্চিত্র নির্মাতা এবং স্টুডিও ডিজিটাল কালি-ও-পেইন্ট প্রক্রিয়ার দিকে অগ্রসর হতে চাইছেন না কারণ তারা মনে করেন ডিজিটাল রঙের অ্যানিমেশনটি সিনথেটিক মনে হবে এবং তাদের প্রকল্পগুলির জন্য অ কম্পিউটারাইজড সেলের নান্দনিক আপিল হারাবে। অনেক অ্যানিমেটেড টেলিভিশন সিরিজ এখনও বিদেশী দেশে ঐতিহ্যগতভাবে inked- এবং-আঁকা cel প্রক্রিয়া ব্যবহার করে হিসাবে 2004 হিসাবে অ্যানিমেটেড ছিল; যদিও তাদের বেশির ভাগ ডিজিটাল প্রক্রিয়াতে তাদের রান সময় কিছু সময়ে সুইচ। প্রথাগত কালি এবং পেইন্ট ব্যবহার করা শেষ মুখ্য বৈশিষ্ট্য স্টুডিও গিবলি এর রাজকুমারী Mononoke (1997); ঐতিহ্যবাহী প্রক্রিয়াটি ব্যবহার করার জন্য শেষ বড় অ্যানিমেশনের উত্পাদন ছিল কার্টুন নেটওয়ার্ক এর এড, এড এন এডি, যা ২004 সালে ডিজিটাল পেইন্টে রূপান্তরিত হয়েছিল। [8] বিল Plympton দ্বারা ক্ষুদ্র প্রযোজনা যেমন চুল হাই (2004) ডিজিটাল কৌশল প্রবর্তনের পর দীর্ঘ ঐতিহ্যগত সেল ব্যবহার করেছেন। বেশিরভাগ স্টুডিও আজকে অন্যান্য হাই-এন্ড সফ্টওয়্যার প্যাকেজগুলির মধ্যে একটি ব্যবহার করে যেমন টুন বুম হারমনি, টুনজ ব্রাভো, অ্যানিমো এবং রিটাস বা অ্যাডব্লব ফ্ল্যাশ, টুন বুoom স্টুডিও, ইউবিআআট ফ্রেমওয়ার্কটিভিটি, এবং এমনকি কনজিউমার-লেভেলের অ্যাপ্লিকেশন। টোনজ হারলেকুইন
কম্পিউটার এবং ডিজিটাল ভিডিও ক্যামেরা সম্পাদনা করুন
কম্পিউটার এবং ডিজিটাল ভিডিও ক্যামেরাগুলি প্রথাগত সেল অ্যালবামে টুল হিসাবেও ব্যবহার করা যায় যা সরাসরি চলচ্চিত্রটিকে প্রভাবিত না করে, তাদের কাজগুলিতে অ্যানিম্যান্টকে সহায়তা করে এবং পুরো প্রক্রিয়াটি দ্রুত এবং সহজে তৈরি করে। একটি কম্পিউটারের লেআউটগুলি করা সনাতন পদ্ধতি দ্বারা এটি করা থেকে অনেক বেশি কার্যকর। [9] উপরন্তু, ভিডিও ক্যামেরা দৃশ্যের একটি "পূর্বরূপ" দেখার সুযোগ করে দেয় এবং শেষ হয়ে যাওয়ার পর কীভাবে এটি দেখাবে, অ্যানিম্যানটরগুলি সঠিক এবং প্রথমে তাদের সম্পূর্ণ না করে তাদের উপর উন্নতি করুন। এই পেন্সিল পরীক্ষার একটি ডিজিটাল ফর্ম বিবেচনা করা যেতে পারে।
TechniquesEdit
CelsEdit

এই ছবিটি দেখায় যে, দুটি স্বচ্ছ সেলগুলি, প্রতিটি তাদের সাথে একটি আলাদা চরিত্রের অঙ্কিত, এবং একটি অস্বচ্ছ ব্যাকগ্রাউন্ড যৌথ ইমেজ তৈরি করার জন্য একত্রিত করা হয়।
Cel একটি ঐতিহ্যগত অ্যানিমেশনে একটি গুরুত্বপূর্ণ উদ্ভাবন, এটি ফ্রেম থেকে ফ্রেম থেকে প্রতিটি ফ্রেমের কয়েকটি অংশকে পুনরাবৃত্তি করার অনুমতি দেয়, এইভাবে সংরক্ষণের শ্রম একটি সহজ উদাহরণ পর্দায় দুটি অক্ষর দিয়ে একটি দৃশ্য হবে, যা এক কথা এবং অন্য অবস্থানের চুপি চুপি। যেহেতু পরের অক্ষরটি চলছে না, তাই এই দৃশ্যটি এক সিলে ব্যবহার করে শুধুমাত্র একটি অঙ্কন ব্যবহার করে প্রদর্শিত হতে পারে, যখন একাধিক সেলগুলিতে একাধিক অঙ্কনটি ব্যবহার করা হয় চরিত্রের চরিত্রকে চূড়ান্ত করার জন্য।
একটি আরো জটিল উদাহরণের জন্য, একটি সন্তানের একটি টেবিলের উপর একটি প্লেট সেট করে একটি ক্রম বিবেচনা করুন। টেবিল সম্পূর্ণ অনুক্রমের জন্য এখনও স্থায়ী হয়, তাই এটি পটভূমির অংশ হিসাবে আঁকা যাবে। চরিত্রটি চরিত্রের সাথে বরাবর অঙ্কিত হতে পারে কারণ চরিত্রটিকে টেবিলে রাখে। তবে, প্লেট টেবিলে থাকা পরে, প্লেটটি আর চলতে পারে না, যদিও ছেলেটি তার হাতটি প্লেট থেকে দূরে রাখলেও চলতে থাকে। এই উদাহরণে, ছেলেটি প্লেটের নিচে রাখলে, প্লেটটি ছেলে থেকে আলাদা আলোর উপর আঁকানো যেতে পারে। আরও ফ্রেম ছেলেদের নতুন সেলস বৈশিষ্ট্য, কিন্তু প্লেট হিসাবে এটি না চলছে পুনরাবৃত্ত করা হবে; প্লেটের একই cel প্রতিটি অবশিষ্ট ফ্রেমে যে টেবিলের উপর এখনও এটি ব্যবহার করা যাবে। সেল প্যাটারস আসলে প্রতিটি রঙের ছায়াছবির সংস্করণে তৈরি করা হয়েছিল যা ইমেজ এবং ক্যামেরাতে যোগ করা হয়েছে। এই উদাহরণে, একটি স্তর নিচে সরানো জন্য ক্ষতিপূরণ জন্য এখনও প্লেট সামান্য উজ্জ্বল আঁকা হবে। টিভি এবং অন্যান্য কম বাজেট প্রযোজনার মধ্যে, সেলগুলি প্রায়ই "সাইক্লিড" (অর্থাৎ, ক্রমস একটি ধারা ক্রমাগত পুনরাবৃত্তি হয়), এবং এমনকি অন্যান্য পর্বগুলিতে সংরক্ষণাগার ও পুনরায় ব্যবহার করা হয়। চলচ্চিত্রটি সম্পন্ন হওয়ার পর, সেলসগুলিও ছুঁড়ে ফেলা হয় বা বিশেষত অ্যানিমেশনের প্রথম দিনগুলিতে, শুষ্ক ধোয়া এবং পরবর্তী ছবির জন্য পুনঃব্যবহৃত। এছাড়াও, চলচ্চিত্রটির সমাপ্তির পরে, অর্থ সংরক্ষণের জন্য ভবিষ্যতের উদ্দেশ্যে বার বার কিছু সেলের "সংরক্ষণাগার" ব্যবহার করা হয়েছিল। কিছু স্টুডিও সেলস একটি অংশ সংরক্ষিত এবং তাদের স্টুডিও দোকানে বিক্রি বা দর্শক হিসাবে উপহার হিসাবে তাদের উপস্থাপন।
প্লে মিডিয়া
কিভাবে অ্যানিমেটেড কার্টুন তৈরি করা হয় (1919), কাটা আউট কাগজ থেকে তৈরি অক্ষর দেখাচ্ছে
গ্রিলটি ডায়ানারার (1 9 14), সিলে ব্যবহার করার পূর্বে খুব শীঘ্রই প্রথম কার্টুনগুলিতে, ব্যাকগ্রাউন্ড এবং সমস্ত অক্ষর এবং আইটেম সহ সমগ্র ফ্রেমটি একটি একক পত্রকের উপর অঙ্কিত হয়েছিল, তারপর ছবিটি অঙ্কিত হয়েছিল। প্রতিটি আন্দোলনের সঙ্গে প্রতিটি ফ্রেম জন্য পুনঃনির্ধারণ করা হবে। এটি একটি "জঘন্য" চেহারা নেতৃত্বে; একটি পর্বত অঙ্কন একটি ক্রম কল্পনা কল্পনা, প্রতিটি পূর্ববর্তী এক থেকে সামান্য ভিন্ন প্রতিটি এক। প্রাক-সিেল অ্যানিমেশনটি পরবর্তীতে রাউল বারের আবিষ্কৃত স্ল্যাশ এবং টিয়ার সিস্টেমের মত কৌশল ব্যবহার করে উন্নত করা হয়েছিল; ব্যাকগ্রাউন্ড এবং অ্যানিমেটেড অবজেক্ট আলাদা আলাদা কাগজপত্রগুলিতে অঙ্কিত ছিল। [10] একটি ফ্রেম তৈরি করা হয়েছিল কাগজগুলির সমস্ত ফাঁকা অংশগুলি যেখানে বস্তুগুলি ব্যাকগ্রাউন্ডের উপরে স্থাপন করার আগে টানা হয়েছিল এবং অবশেষে ছবি তুলেছে। এলিয়েন অ্যানিমেশন প্রসেসটি 1915 সালে আর্ল হার্ডান্ড জন ব্রে দ্বারা আবিষ্কৃত হয়।
সীমিত অ্যানিমেশন সম্পাদনা
নিম্ন বাজেট প্রযোজনার মধ্যে, cel কৌশল মাধ্যমে উপলব্ধ শর্টকাট ব্যাপকভাবে ব্যবহার করা হয়। উদাহরণস্বরূপ, একটি দৃশ্য যেখানে একজন মানুষ একটি চেয়ারে বসা এবং কথা বলা, চেয়ার এবং মানুষের শরীর প্রতিটি ফ্রেমে একই হতে পারে; শুধুমাত্র তার মাথা redrawn হয়, অথবা সম্ভবত তার মাথা একই থাকে যখন শুধুমাত্র তার মুখ সরানো এই সীমিত অ্যানিমেশন হিসাবে পরিচিত হয়। [11] ইউনাইটেড প্রডাকশনস অফ আমেরিকা দ্বারা থিয়েটারিক কার্টুনে জনপ্রিয়তা লাভ করে এবং বেশীরভাগ টেলিভিশন অ্যানিমেশনে বিশেষভাবে ব্যবহৃত হয়, বিশেষ করে হান্না-বারবারের শেষ ফলাফল খুব lifelike দেখতে না, কিন্তু উত্পাদনের জন্য সস্তা, এবং সেইজন্য কার্টুন ছোট টেলিভিশনের বাজেটে তৈরি করা সম্ভব।
"দুবারের শুটিং" সম্পাদনা করুন
ক্রমবর্ধমান অক্ষর প্রায়ই "দ্বিগুণ" উপর শট হয়, অর্থাৎ, একটি অঙ্কনটি প্রতি দুই ফ্রেমের চলচ্চিত্রের জন্য প্রদর্শিত হয় (যা সাধারণত প্রতি সেকেন্ডে ২4 ফ্রেমে রান করা হয়), যার অর্থ প্রতি সেকেন্ডে মাত্র 1২ অঙ্কন রয়েছে। [12] চিত্র আপডেটের হার কম হলেও, সর্বাধিক বিষয়গুলির জন্য তরলতা সন্তোষজনক। যাইহোক, যখন একটি চরিত্র একটি দ্রুত আন্দোলন সঞ্চালনের প্রয়োজন হয়, সাধারণত "উপর" অ্যানিমেশন প্রত্যাবর্তন করার প্রয়োজন হয়, হিসাবে "twos" পর্যাপ্তরূপে গতি বহন খুব ধীর হয় দুটি কৌশল একটি মিশ্রন অপ্রয়োজনীয় উত্পাদন খরচ ছাড়া বোকা বোকা রাখে।
একাডেমী পুরস্কার-মনোনীত অ্যানিম্যান্ট বিল প্লেইকশন তার অ্যানিমেশনের স্টাইলের জন্য সুপরিচিত, যা খুব কম ইন-বিলিয়ার এবং সিকোয়েন্স ব্যবহার করে যা তিন-চতুর্থাংশ বা চতুর্দিকে সম্পন্ন হয়, পর্দায় প্রতিটি অঙ্কনটি একটি অষ্টম থেকে সেকেন্ডের ছয় থেকে ছয় পর্যন্ত। [13] ] যদিও Plympton কাছাকাছি স্ট্রিং তিন ফ্রেম ব্যবহার করে, কখনও কখনও অ্যানিমেশন যে প্রতি সেকেন্ডের গড় আট অঙ্কের হয় "ত্রিশ উপর" এবং সাধারণত বাজেটের সীমাবদ্ধতাগুলি পূরণের জন্য করা হয়, অন্য খরচ-কাটিয়া ব্যবস্থা বরাবর যেমন একই অঙ্কন ধারণ একটি দীর্ঘায়িত চরিত্রের চরিত্র বা একটি স্থির ছবির উপর প্যানিং [14] প্রযুক্তি প্রায়ই কম বাজেটের টিভি প্রযোজনায় ব্যবহৃত হয়। [15] এনিমায় এটি সাধারণ, যেখানে ডিজাইন এবং ছায়ায় জটিলতায় প্রতিস্থাপনের পরিবর্তে তরল পদার্থকে উৎসর্গ করা হয় (পশ্চিমা ঐতিহ্যের ক্ষেত্রে আরো কার্যকরী এবং অপটিমাইজ ডিজাইনের বিপরীতে); এমনকি উচ্চ বাজেটের থিয়েটারের বৈশিষ্ট্যগুলি যেমন স্টুডিও গিবলি সম্পূর্ণ পরিসরে কাজ করে: নিয়মিত সংলাপ ও ধীর গতির শটগুলির জন্য "ত্রিশজনের" সাধারণ অ্যানিমেশনে নির্বাচিত শটগুলির (সাধারণত দ্রুত অ্যাক্টিভেশন অ্যাকসেন্ট) মসৃণ অ্যানিমেশন থেকে "অন" হয়।
অ্যানিমেশন loopsEdit

ইডউয়ার্ড ম্যুইব্রিজের 19 শতকের ছবিগুলি থেকে রোটস্কোপিং দ্বারা অ্যানিমেটেড একটি ঘোড়া। অ্যানিমেশনে 8 টি অঙ্কন রয়েছে যা "লোপ করা" হয়, যেমন পুনরাবৃত্তি ও বার বার। এই উদাহরণটি "twos এ শট" হয়, যেমন প্রতি সেকেন্ডে 1২ টি অঙ্কন
অ্যানিমেশন loops বা অ্যানিমেশন চক্র তৈরি একটি পুনরাবৃত্তিমূলক গতির অ্যানিমেটিং জন্য একটি শ্রম সংরক্ষণ কৌশল, যেমন একটি অক্ষর হাঁটা বা গাছ মাধ্যমে ফুঁ একটি বাতাস। হাঁটার ক্ষেত্রে, অক্ষর তার ডান পা দিয়ে একটি পদক্ষেপ গ্রহণ করা হয় অ্যানিমেটেড, তারপর তার বাম পায়ের সঙ্গে একটি ধাপ। লুপ তৈরি করা হয়, যাতে ক্রমটি পুনরাবৃত্তি হয়, গতিটি নিখুঁত হয় যাইহোক, যেহেতু একটি অ্যানিমেশন লুপ অপরিহার্যভাবে আবার ওভারে একই বিট অ্যানিমেশন ব্যবহার করে, এটি সহজেই সনাক্ত করা যায় এবং প্রকৃতপক্ষে, একটি শ্রোতা থেকে বিক্ষিপ্ত হয়ে উঠতে পারে। সাধারণভাবে, তারা শুধুমাত্র মধ্যম বা উচ্চ বাজেটের প্রযোজনার দ্বারা অতিমাত্রায় ব্যবহার করা হয়।
রায়ান লারকিনের 1969 অ্যাকাডেমি অ্যাওয়ার্ড-মনোনীত ন্যাশনাল ফিল্ম বোর্ড অফ ক্যানাড্যাশট হাঁটা লুপের সৃজনশীল ব্যবহার করে। এ ছাড়া, কার্টুন নেটওয়ার্কের গ্রোভিজ থেকে সোল কাশিং গান "চেনাশোনা" সমন্বিত একটি প্রচারমূলক মিউজিক ভিডিওটি এনিমেশন লোয়েসগুলিতে মজা লাগে কারণ প্রায়ই তারা ফ্লিনস্টোনসে দেখা যায়, যার মধ্যে ফ্রেড এবং বারনি (কার্টুনে সম্প্রচারিত বিভিন্ন হানা-বারবার চরিত্রগুলির সাথে নেটওয়ার্ক), কল্পনানুসারে একটি বাড়িতে হাঁটা, আশ্চর্য কেন তারা একই টেবিল এবং বারবার এবং বারবার পাসিং রাখা।
মাল্টিপ্লেন ক্যামেরা সম্পাদনা
মূল নিবন্ধ: মাল্টিপ্লেন ক্যামেরা
মাল্টিপ্লেন ক্যামেরা হল একটি যন্ত্র যা 2 ডি অ্যানিমেটেড চলচ্চিত্রে দৃশ্যের গভীরতা যোগ করতে ব্যবহৃত হয়, যা মাল্টিপ্লেন প্রভাব বা পার্ল্যাক্স প্রসেস নামে পরিচিত। শিল্পী কাচের প্লেটগুলির বিভিন্ন স্তরের উপর স্থাপন করা হয় এবং যেহেতু ক্যামেরা আর্টিকেলের মাত্রা থেকে উল্লম্ব দিকের দিকে অথবা দূরে চলে যায়, ক্যামেরার দৃষ্টিভঙ্গিটি 3D মহাকাশের বিভিন্ন স্তরের মাধ্যমে সরানো হয়। পিনোচিয়োতে প্যানোরামা দৃশ্য একটি বহুমুখী ক্যামেরা অর্জনের উদাহরণ। ক্যামেরা বিভিন্ন সংস্করণ সময় মাধ্যমে তৈরি করা হয়েছে, কিন্তু সবচেয়ে বিখ্যাত ওয়াল্ট ডিজনি স্টুডিও দ্বারা নির্মিত একটি তাদের 1937 ছোট দ্য ওল্ড মিলার সঙ্গে শুরু হয়। আরেকটি, "টেবিলপট", ফ্লাইশার স্টুডিও দ্বারা তৈরি করা হয়েছিল। টেবিলের টপ, প্রথমটি 1934 সালে দরিদ্র সিন্ডারেলারে ব্যবহার করা হয়েছিল, একটি আবর্তিত প্ল্যাটফর্মে ক্যামেরাটির সামনে রাখা কাগজের কাটা তৈরির ক্ষুদ্রতর সেট ব্যবহার করে, তাদের মধ্যে সেলস দিয়ে। Cel অ্যানিমেশন অনুযায়ী এক সময়ে সমগ্র সেটআপ এক ফ্রেম ঘূর্ণন দ্বারা, বাস্তবিক প্যানোরামাগুলি তৈরি করা যেতে পারে। উব আইকক্স এবং ডন ব্লথ তাদের স্টুডিওগুলির জন্য বহুসংখ্যক ক্যামেরা তৈরি করেছেন।
XerographyEdit
1950 এর দশকের শেষের দিকে ওয়াল্ট ডিজনি স্টুডিওতে উব ওয়েকারের অ্যানিমেশনটি প্রয়োগ করা হয়েছে, ইলেক্ট্রোস্ট্যাটিক কপি করার কৌশলকে জেরোগ্রাফি বলা হয়েছে যাতে সিল ও প্যান্ট প্রসেসের "ভাঁজ" অংশকে অনেক দূর থেকে অঙ্কনগুলিকে সিলে ঢোকানো হয়। [16] এই সংরক্ষিত সময় এবং অর্থ, এবং এটি আরও বিস্তারিত করা এবং জিরোক্সেড বস্তু এবং অক্ষরের আকার নিয়ন্ত্রণ করতে সক্ষম হয়েছে (এই প্রতিস্থাপিত সামান্য পরিচিত, এবং কমপক্ষে ব্যবহৃত, ডিজনি এ ফোটোগ্রাফিক লাইন কৌশল, আকার কমাতে ব্যবহৃত যখন প্রয়োজন তখন অ্যানিমেশনের) প্রথমত, এটি একটি আরো স্কেচী বর্ণনায় পরিণত হয়, তবে সময়ের সাথে সাথে এই কৌশলটি উন্নত করা হয়েছিল।
ডিজাইনার অ্যানিম্যান্ট এবং ইঞ্জিনিয়ার বিল বিচারপতি জেরক্স প্রজন্মের একটি অগ্রদূতকে 1 9 44 সালে পেটেন্ট করেছিলেন, যেখানে একটি বিশেষ পেন্সিল দিয়ে তৈরি আঁকারগুলি চাপের দ্বারা একটি সেলকে স্থানান্তরিত হবে এবং তারপর এটি ঠিক করা হবে। এই প্রক্রিয়াটি অ্যানিমেশনে ব্যবহার করা হয় কিনা তা জানা যায় না। [17]
স্ক্রিনিংয়ের কিছু দৃশ্যের মধ্যে জেস্রোগ্রাফিক পদ্ধতিটি ডিজনি কর্তৃক প্রথম পরীক্ষা করা হয়েছিল এবং এটি প্রথমটি সম্পূর্ণ স্বল্পদৈর্ঘ্য চলচ্চিত্র গলিয়াত ২-তে ব্যবহৃত হয়েছিল, যখন এই প্রক্রিয়াটি সম্পূর্ণভাবে একটি একক ও এক ডালম্যাটিয়ানস (1 9 61) এর সাথে ব্যবহার করা হয়েছিল। এই ফিল্মের গ্রাফিক শৈলী দৃঢ়ভাবে প্রক্রিয়া দ্বারা প্রভাবিত ছিল। কয়েকটি হাত ভঙ্গি এই সময়ে এবং পরে পরবর্তী চলচ্চিত্রে বর্ণমালার সঙ্গে একসঙ্গে ব্যবহার করা হয়েছিল যখন স্বতন্ত্র রং লাইন প্রয়োজন ছিল। পরে, রঙিন টোনার পাওয়া যায়, এবং একাধিক স্বতন্ত্র লাইন রং ব্যবহার করা যেতে পারে, এমনকি একযোগে। উদাহরণস্বরূপ, Rescuers মধ্যে অক্ষর 'আউটলাইন ধূসর হয়। সাদা এবং নীল toners বিশেষ প্রভাব জন্য ব্যবহার করা হয়, যেমন বরফ এবং জল হিসাবে
এপিটি প্রক্রিয়াটি সম্পাদনা করুন
মূল নিবন্ধ: APT প্রক্রিয়া
1985 সালের ডিভিডি চলচ্চিত্র দ্য ব্ল্যাক কেলড্রনের জন্য এপিটি (অ্যানিমেশন ফটো ট্রান্সফার) প্রক্রিয়াটি ডেভ স্পেন্সারের আবিষ্কর্তা ছিল স্যানিটার্স আর্টসকে সেলস এ হস্তান্তর করার একটি কৌশল। মূলত, প্রক্রিয়া একটি repro- ফোটোগ্রাফিক প্রক্রিয়া একটি সংশোধন ছিল; শিল্পীদের কাজটি উচ্চ বৈসাদৃশ্য "লিথো" চলচ্চিত্রে তুলে ধরা হয়েছিল এবং পরবর্তী সময়ে নেতিবাচক চিত্রটি একটি হালকা সংবেদনশীল ছোপানো স্তর দিয়ে একটি সেলসিয়াসে হস্তান্তর করা হয়েছিল। Cel নেতিবাচক মাধ্যমে উন্মুক্ত করা হয়েছিল। তারপর অনিয়মিত অংশ মুছে ফেলার জন্য রাসায়নিক ব্যবহার করা হয়। যদি প্রয়োজন হয় তবে ছোট এবং সূক্ষ্ম বিবরণগুলি হাতে হস্তান্তর করা হয়। এই প্রক্রিয়াটি বিকাশের জন্য স্প্যান্সার টেকনিক্যাল অচিরেই একটি একাডেমী পুরস্কার লাভ করেন।
সিলেট ওভারলেএডিট
একটি cel আচ্ছাদন একটি প্রস্তুত ফ্রেম উপরে স্থাপিত যখন একটি অগ্রভূমি ছাপ দিতে ব্যবহৃত নিরবধি বস্তুর সঙ্গে একটি cel হয়। [18] এটি গভীরতার বিভ্রান্তির সৃষ্টি করে, কিন্তু যতটা সম্ভব বহুবিধ ক্যামেরাটি না। সিেল ওভারলেটির একটি বিশেষ সংস্করণটি ফোরগ্রাউন্ড তৈরির পরিবর্তে ব্যাকগ্রাউন্ডটি সম্পূর্ণ করার জন্য লাইন ওভারলে নামে পরিচিত, এবং জেরক্সোকেড ড্রাফ্টের স্কেচির দৃশ্যের সাথে মোকাবিলা করার জন্য আবিষ্কার করা হয়েছিল। পটভূমি প্রথমে ফ্ল্যাট রং আকার এবং পরিসংখ্যান হিসাবে অঙ্কিত করা হয়েছে, বরং কিছু বিবরণ ধারণকারী। পরবর্তী, বিস্তারিত কালো লাইনের সাথে একটি cel সরাসরি এটি উপর স্থাপন করা হয়েছিল, প্রতিটি রেখা অন্তর্নিহিত আকৃতি বা চিত্রে আরও তথ্য যোগ করতে আঁকা এবং পটভূমি এটি প্রয়োজন জটিলতা দিতে এইভাবে, ব্যাকগ্রাউন্ডের ভিজ্যুয়াল শৈলী জেরক্সড অক্ষর সেলগুলির সাথে মিলবে। Xerographic প্রক্রিয়া বিবর্তিত হিসাবে, লাইন ওভারলে পিছনে বামে ছিল।
Comments
Post a Comment